Entrevista a Black Honey
Cine, desenfreno emocional y pop de guitarras
Desde que irrumpieron en Brighton a mediados de los 2010, Black Honey se convirtió en una de las bandas más singulares del indie británico contemporáneo. Su mezcla de guitarras filosas, sensibilidad pop y una estética profundamente cinematográfica les permitió construir un universo propio donde conviven el desamor, la fantasía y la oscuridad con una naturalidad magnética. Con cada disco, el grupo liderado por Izzy B. Phillips fue expandiendo sus límites sonoros y visuales, pero manteniendo intacta esa combinación de nostalgia y outsiderdom que definió sus primeros lanzamientos.
Tras un breve paréntesis, el grupo regresó con Soak, su cuarto álbum y, posiblemente, su obra más honesta y conceptual hasta la fecha. Un trabajo donde la vulnerabilidad, la adicción, la disonancia emocional y el caos sensorial conviven con momentos de suavidad inesperada, revelando una madurez artística que no renuncia a la explosividad que siempre los caracterizó.
En esta entrevista exclusiva con Radio Britannia, la propia Izzy B. Phillips reflexiona sobre el proceso detrás de Soak, la evolución de la banda durante la última década, la influencia de cambios personales recientes en su música, y la manera en que Black Honey atraviesa hoy los desafíos de ser una banda independiente con alcance global. También comparte su conexión con Latinoamérica y su sueño de girar por la región.
Entre el desborde, la claridad y la contradicción
– Acaban de lanzar su cuarto álbum, «Soak», después de tomarse un breve descanso el año pasado. ¿Qué historia querías contar con ese título y por qué lo elegiste para encapsular esta etapa?
«’Soak’ se sentía como algo que me envolvía por completo, como un desborde. Es un título perfecto desde una perspectiva relacionada con la adicción.»
– «Soak» ha sido descrito como un disco con mayor claridad y honestidad, más liviano en concepto que tus trabajos anteriores (un “punto de inflexión” en tu discografía). ¿En qué se diferencia este álbum de los anteriores en términos de estilo y temática?
«Para mí no es más liviano en concepto, en realidad siento lo contrario: trata sobre la disonancia de la experiencia humana. Tiene momentos de suavidad, pero profundizo mucho en la adicción y en sensaciones distópicas. Se sintió como un punto de inflexión en el sentido de que es el concepto más completo que hice hasta ahora. Siento que recién ahora estoy entendiendo cómo construir un álbum. Siempre fui una chica de “grandes éxitos” en el fondo.»
– Al escuchar el álbum hubo un momento que me impactó muchísimo: el solo de guitarra al final de “Vampire in the Kitchen”. La primera vez que lo escuché me tomó totalmente por sorpresa, así que sentí que debía dedicarle una pregunta a ese instante. ¿Qué te llevó a ese solo explosivo, qué buscabas transmitir, y cómo evolucionó desde la idea inicial hasta la versión final?
«Para mí esa parte es como un pensamiento intrusivo. El asalto sensorial encajaba porque era absurdamente fuera de lugar. La primera versión que hicimos fue una broma que terminó quedándose.»
Una década construyendo identidad
– Mirando hacia atrás, ¿cómo describirías la evolución de Black Honey desde su álbum debut homónimo hasta ‘Soak’? ¿Qué elementos de su sonido original conservaron y qué ha cambiado en esta década?
«Seguimos siendo compositores de pop basado en guitarras que exploran el ‘sentirse fuera de lugar’ y la nostalgia, pero al principio yo empujé mucho los límites y, de una manera medio extraña y expansiva, terminé llegando a lo más cercano a lo que realmente somos.»
– Izzy recibió un diagnóstico de autismo y abrazó la sobriedad después del último disco. ¿Cómo influyeron estos cambios personales en el proceso creativo y en las letras de «Soak»?
«Es una pregunta muy difícil de responder. En su mayoría creo que es algo subconsciente, o que en realidad no cambió nada. No quería convertirme en una víctima, y es extraño pensar que la gente pueda ver mi arte de forma diferente por eso.»
– Además de tu trabajo en Black Honey, participaste del proyecto Goddess, liderado por Fay Milton, que se mueve en un universo muy diferente al de la banda. ¿Cómo fue la experiencia de grabar con Goddess y qué significó formar parte de un proyecto tan distinto?
«Me encantó participar en ‘Goddess’ con Fay. Ella es una de mis bateristas favoritas de todos los tiempos y no me da miedo decírselo. Espero seguir siendo amiga de ella hasta que seamos abuelitas. Me encantó profundizar en una mirada femenina y escuchar cómo el proyecto fue creciendo durante dos años. Muchas de las decisiones que ella tomaba no eran las “típicas” o las que yo reconozco como movimientos de una canción pop, así que recontextualizó el arte y los instintos. Al hacerlo, me hizo apreciarme más a mí misma y me dio más confianza.»
Fantasía, realidad y estética cinematográfica
– Desde el principio han prestado mucha atención a su estética visual, inspirándose en parte en películas de culto. ¿Todavía se ven a través de ese lente cinematográfico? ¿Cómo evolucionó su estilo visual y artístico a lo largo de los años?
«Sí, siempre cine. Me encanta el borde difuso entre la fantasía y la realidad. Nada cambia demasiado, solo las películas que miro inspiran lo que estoy creando.»
– Como banda británica independiente con alcance internacional, ¿cómo están lidiando hoy con los desafíos de producción musical, distribución y la conexión con su audiencia?
«Es agotador, para ser honesta. Creo que bajar mis propias expectativas ha sido lo más útil. Tres millones de canciones se suben a Spotify por mes. Nos pagan 0,003 centavos por reproducción; es poco realista pensar que se puede sostener un negocio con eso. Girar es lo más difícil que ha sido jamás, y realmente siento por las bandas que están empezando ahora; al menos nosotras pudimos iniciar nuestra carrera girando.»
Nuevas voces, nuevas escenas
– Este disco llega en un contexto británico donde conviven nuevas escenas indie y post-punk con proyectos más mainstream. ¿Cómo percibís el estado actual de la música en el Reino Unido? ¿Hay artistas recientes que disfrutés especialmente o que te hayan influido?
«Sí, me encantan Mary in the Junkyard, Divorce y Wunderhorse en este momento. Son irlandeses, pero también me encanta NewDad.»
– Desde Sudamérica (la audiencia principal de Radio Britannia), nos gustaría saber: ¿qué sabés o sentís sobre tus oyentes en la región? ¿Qué aspecto de tu música o tu historia te gustaría que vivieran como primera impresión de Black Honey?
«Bueno, mi familia política es colombiana, así que vamos mucho para allá, y estoy aprendiendo español para poder moverme con más confianza. También tengo algunos amigos en Ciudad de México y es mi sueño hacer una gira por Latinoamérica.»
Black Honey en plena metamorfosis
En un presente donde el indie británico atraviesa mutaciones constantes, Black Honey sigue encontrando maneras de afirmarse sin perder la incomodidad, la sensibilidad ni el filo que siempre los distinguió. Soak no solo exhibe un salto creativo, sino también una manera más consciente de habitar la vulnerabilidad: un disco que abraza la contradicción, la suavidad, el desborde y las sensaciones distópicas con la misma intensidad con la que Izzy defiende su instinto artístico.
Escuchar a la cantante hablar de pensamientos intrusivos convertidos en solos abrasivos, de la libertad que encontró en proyectos alternativos como Goddess, o de las tensiones de hacer música independiente en un contexto cada vez más adverso, revela una artista que no busca respuestas fáciles. Prefiere las zonas borrosas, las que se mueven entre la fantasía cinematográfica y la realidad más cruda, y es justamente ahí donde Black Honey encuentra su centro.
Si Soak es el comienzo de un nuevo capítulo, todo indica que Black Honey está entrando en su etapa más intensa, más clara y más auténtica. Y, desde este lado del mundo, seguiremos esperando que ese viaje los traiga cada vez más cerca.
