Morrissey
Los orígenes de un ícono del pop británico
Steven Patrick Morrissey nació el 22 de mayo de 1959 en Manchester, Inglaterra, dentro de una familia de clase trabajadora de origen irlandés. Creció en un entorno urbano marcado por la demolición de viviendas victorianas en Hulme y por la cultura popular de la época. Ese contexto dejó una huella profunda en su mirada artística desde muy temprano.
Desde niño desarrolló un fuerte vínculo con la literatura, en especial con la poesía y la novela social británica. A la vez, se sintió atraído por el pop de los años 50 y 60. La combinación entre sensibilidad literaria y pasión musical resultaría decisiva en la construcción de su estilo lírico.
Durante su juventud exploró brevemente la escena punk local y participó en grupos como The Nosebleeds, aunque más tarde matizaría públicamente el alcance real de esa experiencia. En paralelo trabajó como periodista musical, escribiendo sobre discos y cine. Ese recorrido le permitió afinar su voz crítica y su tono mordaz antes de asumir un rol central como intérprete.
La vida de Morrissey dio un giro definitivo cuando entró en contacto con Johnny Marr. Juntos fundarían una banda destinada a cambiar la escena alternativa británica de los años 80: The Smiths..
The Smiths, la banda que lo lanzó al estrellato
A comienzos de los años 80, un encuentro entre Morrissey y el guitarrista Johnny Marr en Manchester sentó las bases de The Smiths. El grupo se completó con Andy Rourke en el bajo y Mike Joyce en la batería. Desde sus primeros lanzamientos, la banda se convirtió en un referente de la escena indie británica.
The Smiths combinaron melodías brillantes con letras introspectivas y de fuerte contenido social. Esa fórmula generó una conexión inmediata tanto con la crítica como con el público, y colocó a Morrissey en el centro del debate cultural de la época.
La banda debutó en 1984 con el álbum The Smiths, un trabajo que combinó la sensibilidad del jangle pop con letras agudas sobre la soledad y la vida en sociedad. El disco alcanzó el puesto número 2 en el Reino Unido y estableció rápidamente a sus integrantes como figuras centrales del pop alternativo británico.
A lo largo de su breve pero influyente trayectoria, The Smiths publicaron una serie de álbumes que consolidaron su lugar dentro de la música británica de los años ochenta. Tras el impacto inicial del debut, el grupo editó Meat Is Murder en 1985. En este disco profundizó el costado político y social de las letras de Morrissey, con temas como el vegetarianismo, la violencia institucional y la alienación cotidiana. Al mismo tiempo, la banda amplió su rango sonoro.
Un año más tarde apareció The Queen Is Dead (1986), considerado por la crítica como la obra cumbre del grupo. Su prestigio se apoya en el equilibrio entre ambición artística, cohesión musical y un conjunto de canciones que con el tiempo se volvieron fundamentales dentro del canon del pop alternativo británico. Finalmente, en 1987, The Smiths publicaron Strangeways, Here We Come, su último álbum de estudio. El disco presentó un sonido más pulido y una atmósfera introspectiva que anticipó la disolución definitiva del grupo poco después de su lanzamiento.
A pesar del éxito creciente, las tensiones personales y creativas entre los miembros, en especial entre Morrissey y Johnny Marr, derivaron en la disolución definitiva del grupo en 1987. Su legado, sin embargo, perduró como uno de los pilares de la música independiente británica y como un antecedente claro del britpop de los años 90.
De la introspección a la fuerza
Tras la separación de The Smiths, Morrissey afrontó el desafío de definir una voz propia más allá de la banda que lo había llevado al estrellato. El 14 de marzo de 1988, apenas seis meses después del último álbum del grupo, publicó Viva Hate, su debut como solista.
El disco fue producido por Stephen Street, colaborador habitual de The Smiths y figura clave en la transición de Morrissey hacia una carrera independiente. Además, contó con la guitarra atmosférica de Vini Reilly, líder de The Durutti Column, cuyo estilo distintivo dejó una marca clara en la textura sonora del álbum.
Desde el inicio, Viva Hate captó la atención tanto del público como de la crítica. El álbum debutó en el puesto número 1 del UK Albums Chart, un logro que confirmó la capacidad de Morrissey para generar impacto sin la presencia de Johnny Marr.
Canciones como “Suedehead”, lanzada como sencillo poco antes del álbum, dejaron en claro que podía sostener una carrera por fuera de la sombra de The Smiths. El tema recibió elogios tanto en su momento como en lecturas posteriores. La crítica lo describió como un debut solista sólido, capaz de equilibrar el histrionismo lírico con melodías inmediatamente reconocibles.
La crítica especializada valoró el disco como un trabajo compacto y disciplinado. Publicaciones como Rolling Stone destacaron su solidez frente a las expectativas de un álbum marcado por la autocompasión tras el final de The Smiths. En retrospectiva, medios como Pitchfork lo señalaron como uno de los discos más interesantes y arriesgados de Morrissey, subrayando su inusual combinación de elementos grandilocuentes y minimalistas.
Incertidumbre y giros inesperados
Tras el impacto inmediato de su debut, Morrissey atravesó un período de transición personal y artística que se reflejó en su segundo álbum solista. Kill Uncle se publicó el 4 de marzo de 1991, en un contexto atravesado por disputas legales con antiguos colaboradores y por una etapa de menor estabilidad creativa.
El disco fue producido por el propio Morrissey junto a Clive Langer y Alan Winstanley, un dúo con amplia experiencia en el pop británico. Ambos ya habían trabajado con artistas como Madness y Elvis Costello. La grabación se desarrolló principalmente en RAK Studios y Westside Studios, en Londres.
A diferencia de Viva Hate, Kill Uncle presentó un sonido más disperso y menos cohesionado. El álbum incorporó una presencia marcada de teclados y arreglos que se alejaban del dramatismo épico de su antecesor. En este trabajo, Morrissey exploró un tono más introspectivo y, en ocasiones, deliberadamente incómodo. Las letras abordaron temas como el aislamiento, la fragilidad emocional y la desorientación posterior a la fama.
En términos comerciales, Kill Uncle alcanzó el puesto número 8 en el UK Albums Chart. El resultado fue sólido, aunque quedó por debajo del debut en el número uno de Viva Hate. La prensa interpretó este descenso como un ajuste en la relación entre Morrissey y su público, más que como un fracaso comercial. El álbum también logró una presencia moderada en otros mercados europeos, aunque sin el impacto inmediato de su primer trabajo solista.
La recepción crítica resultó mayoritariamente tibia. Medios como NME y Melody Maker señalaron la falta de una dirección clara y cuestionaron algunas decisiones de producción. AllMusic, por su parte, describió el disco como uno de los trabajos más desiguales de Morrissey, aunque reconoció momentos de lucidez lírica y emocional. Con el paso del tiempo, Kill Uncle fue parcialmente revalorizado por críticos y seguidores, que lo leyeron como un documento honesto de una etapa compleja más que como un paso en falso definitivo.
Renacimiento creativo
Con Your Arsenal, Morrissey redefinió de forma decisiva su carrera solista y recuperó el impulso artístico tras la etapa irregular de Kill Uncle. El álbum se publicó el 20 de julio de 1992 y representó un punto de inflexión tanto en sonido como en actitud.
La producción estuvo a cargo de Mick Ronson, histórico guitarrista de David Bowie durante la era de Ziggy Stardust. Su influencia resultó clave para darle al disco un carácter más directo, crudo y rockero. Las sesiones se desarrollaron principalmente en Windmill Lane Studios, en Dublín, con una nueva banda de acompañamiento que aportó energía y cohesión.
En el plano musical, Your Arsenal dejó atrás los teclados dominantes de su antecesor y se apoyó en guitarras afiladas, líneas de bajo marcadas y una sección rítmica contundente. La renovación sonora acompañó a un Morrissey más seguro de sí mismo, que recuperó el ingenio mordaz y la ironía como ejes centrales de su escritura.
El álbum confirmó el regreso de Morrissey a los primeros planos. Your Arsenal alcanzó el puesto número 2 en el UK Albums Chart, lo que lo convirtió en uno de sus trabajos solistas con mejor rendimiento hasta ese momento. Aunque no llegó al número uno, el disco se mantuvo varias semanas en el top 10 británico y reforzó su posición como figura central del pop alternativo del Reino Unido a comienzos de los años noventa.
La recepción crítica fue ampliamente positiva y marcó un quiebre claro respecto a Kill Uncle. Medios como NME y Melody Maker celebraron el enfoque más agresivo y compacto del álbum, y destacaron la química entre Morrissey y Mick Ronson como uno de los grandes aciertos del proyecto. AllMusic lo definió como uno de los discos más sólidos de su catálogo solista, y subrayó la consistencia del repertorio y la claridad de su propuesta estética.
Con el paso del tiempo, Your Arsenal quedó establecido como uno de los grandes clásicos de su etapa post-The Smiths. También se lo reconoce como el punto de partida de una de las formaciones más recordadas que acompañaron a Morrissey en sus presentaciones en vivo.
Consagración artística y melancolía
Con Vauxhall and I, Morrissey alcanzó uno de los puntos más altos de su carrera solista, tanto en el plano creativo como en el reconocimiento crítico. El álbum se publicó el 14 de marzo de 1994 y dio continuidad al impulso iniciado con Your Arsenal, aunque desde un enfoque más introspectivo y emocional.
La producción volvió a quedar en manos de Steve Lillywhite, una figura clave del pop y rock británico, conocido por su trabajo con U2, The Rolling Stones y Peter Gabriel. La grabación se realizó principalmente en Westside Studios y Olympic Studios, en Londres, con una banda ya consolidada. Ese contexto permitió a Morrissey profundizar en matices más sutiles y contenidos.
En este disco, Morrissey abordó temas como la vulnerabilidad, la soledad y el paso del tiempo. Dejó atrás el tono confrontativo de Your Arsenal para ofrecer un retrato más humano y melancólico. Canciones como “The More You Ignore Me, the Closer I Get” y “Now My Heart Is Full” se convirtieron en piezas fundamentales de su repertorio solista, y se destacaron por su equilibrio entre lirismo y accesibilidad.
El álbum alcanzó el puesto número 1 en el UK Albums Chart, lo que marcó el regreso de Morrissey a la cima de las listas tras seis años de carrera en solitario. El disco también reforzó su presencia en mercados internacionales, en especial en Estados Unidos. Allí consolidó una base de seguidores fieles que crecería con el tiempo.
La recepción crítica fue ampliamente favorable y, con el paso de los años, se volvió casi unánime. En su lanzamiento, publicaciones como NME y Q elogiaron la madurez del disco y la solidez de las composiciones. AllMusic lo calificó como uno de los trabajos más completos y emocionalmente resonantes de Morrissey.
Rupturas y experimentación
Tras la recepción entusiasta de Vauxhall and I, Morrissey decidió romper con la continuidad sonora que lo había llevado nuevamente a la cima. Apostó entonces por un giro estético y musical más arriesgado.
Southpaw Grammar se publicó el 28 de agosto de 1995 y fue producido por Steve Lillywhite, en una colaboración que continuó la del álbum anterior. Sin embargo, a diferencia de aquel trabajo introspectivo y melódico, este disco se construyó sobre una base más pesada y deliberadamente abrasiva. Las guitarras densas y los arreglos grandilocuentes definieron buena parte de su sonido.
El álbum reflejó un momento de tensión creativa y personal para Morrissey, que optó por una escritura más confrontativa y menos conciliadora. Las canciones se extendieron en duración y exploraron estructuras menos convencionales dentro de su catálogo solista. El resultado fue una experiencia más exigente para el oyente.
En el plano comercial, Southpaw Grammar debutó en el puesto número 4 del UK Albums Chart. El resultado confirmó que Morrissey conservaba una base sólida de seguidores, aunque el disco no alcanzó la permanencia ni el consenso de sus dos predecesores.
La recepción crítica resultó claramente divisiva. Algunos medios valoraron la ambición y la voluntad de ruptura del álbum, mientras que otros señalaron la falta de equilibrio y cuestionaron la producción por su exceso de densidad sonora. NME y Melody Maker mostraron reservas frente al enfoque general del disco. AllMusic lo describió como uno de los trabajos más desafiantes y menos accesibles de su carrera, y destacó su coherencia conceptual.
Tensión y repliegue
Con Maladjusted, Morrissey profundizó el clima de conflicto que rodeó su figura a mediados de los años noventa. Ese clima se manifestó tanto en lo creativo como en su relación con la industria musical. El álbum se publicó el 19 de mayo de 1997 y volvió a contar con la producción de Steve Lillywhite. De ese modo, cerró una trilogía iniciada con Vauxhall and I y continuada con Southpaw Grammar.
La grabación se realizó en Chateau d’Hérouville, en Francia, y en RAK Studios, en Londres. El proceso estuvo marcado por tensiones con su sello discográfico y por una recepción mediática cada vez más áspera.
Desde lo musical, Maladjusted presentó un tono más sobrio y contenido que su predecesor, aunque sin abandonar por completo la aspereza sonora. Las composiciones recuperaron estructuras más clásicas dentro del repertorio de Morrissey, con arreglos menos grandilocuentes y un mayor énfasis en la melodía.
Maladjusted alcanzó el puesto número 8 en el UK Albums Chart. El resultado fue correcto, aunque distante de los picos logrados a comienzos de la década. Si bien el disco no amplió su base de público, reafirmó la fidelidad de su núcleo de seguidores, incluso en un momento de menor visibilidad mediática.
Tras su lanzamiento, Morrissey entró en un período de silencio discográfico y conflictos contractuales. Esa etapa lo mantendría alejado de los estudios durante varios años.
La recepción crítica fue mayoritariamente fría. Medios como NME y Q señalaron la falta de evolución respecto a trabajos anteriores. AllMusic lo describió como un álbum irregular, con momentos inspirados que no siempre lograban sostener un conjunto sólido.
Regreso a los primeros planos
Tras un silencio discográfico de casi siete años, Morrissey regresó con un álbum que redefinió su lugar en el panorama musical del nuevo milenio. You Are the Quarry se publicó el 17 de mayo de 2004 y marcó su debut en el sello Sanctuary Records. El disco también inauguró una etapa creativa claramente revitalizada.
La producción quedó a cargo de Jerry Finn, conocido por su trabajo con Green Day y Rancid. Su aporte dio al álbum un enfoque moderno, directo y centrado en la energía de banda. La grabación se realizó en Henson Recording Studios, en Los Ángeles, un cambio geográfico significativo respecto a los trabajos anteriores de Morrissey.
Desde lo sonoro, You Are the Quarry mostró un equilibrio claro entre melodía, contundencia y claridad de producción. Las guitarras retomaron un rol central, aunque con un tratamiento más contemporáneo. La voz de Morrissey apareció más firme y al frente que en sus discos de los años noventa.
El impacto comercial fue inmediato. You Are the Quarry debutó en el puesto número 1 del UK Albums Chart, y se transformó en su primer álbum en alcanzar esa posición desde Vauxhall and I, una década antes. Además, el disco logró una fuerte presencia en listas internacionales y amplió de forma notable su audiencia. Ese crecimiento se hizo visible, en especial, entre oyentes más jóvenes que se acercaron por primera vez a su obra solista.
La recepción crítica fue mayoritariamente positiva y sorprendió a buena parte de la prensa especializada. NME celebró el regreso en forma y destacó la solidez del repertorio, mientras que Q subrayó la confianza y la claridad del disco como virtudes centrales.
Ambición y dramatismo
Consolidado tras el exitoso regreso de You Are the Quarry, Morrissey evitó repetir la fórmula y optó por un nuevo giro estilístico. Ese cambio tomó forma en Ringleader of the Tormentors, publicado el 3 de abril de 2006.
El álbum contó con la producción de Tony Visconti, una figura legendaria del pop y el rock británico por su trabajo junto a David Bowie, T. Rex y Thin Lizzy. La grabación se realizó principalmente en Forum Music Village, en Roma. Esta elección influyó de manera directa en el clima y la identidad sonora del disco.
A diferencia del enfoque más inmediato y rockero de su antecesor, Ringleader of the Tormentors presentó un sonido más expansivo y sofisticado, con arreglos orquestales y una atmósfera marcadamente cinematográfica. La influencia de Ennio Morricone resultó evidente en varios pasajes, aportando un tono dramático y elegante que amplió el registro habitual de Morrissey.
El álbum tuvo un desempeño sólido, aunque más moderado que el de You Are the Quarry. Ringleader of the Tormentors alcanzó el puesto número 4 en el UK Albums Chart, confirmando la estabilidad de Morrissey en las listas británicas durante esta etapa. Si bien no amplió significativamente su público, sí reforzó su prestigio artístico y su capacidad para reinventarse sin perder identidad.
La recepción crítica fue mayoritariamente positiva, aunque con matices. NME valoró la ambición y el refinamiento del álbum, destacando la producción de Tony Visconti como uno de sus grandes aciertos. Q subrayó la madurez compositiva y el riesgo asumido en el plano sonoro, mientras que AllMusic describió el disco como una obra elegante y atmosférica, aunque señaló que su carácter menos inmediato podía resultar exigente para parte de la audiencia.
Confrontación directa
Con Years of Refusal, Morrissey retomó un enfoque más crudo y frontal, alejándose del refinamiento orquestal de su trabajo previo para volver a un sonido más inmediato y combativo. El álbum se publicó el 16 de febrero de 2009 y fue producido por Jerry Finn, retomando la sociedad creativa que había dado tan buenos resultados en You Are the Quarry. La grabación se realizó nuevamente en Henson Recording Studios en Los Ángeles, en un contexto de fuerte exposición mediática y con un Morrissey decidido a reafirmar su personalidad artística sin concesiones.
Desde lo musical, Years of Refusal apostó por guitarras robustas, ritmos tensos y una producción clara que priorizó la energía por encima de la sofisticación. El disco transmitió una sensación constante de urgencia. Las letras estaban cargadas de ironía, cinismo y observación social. Morrissey abordó temas como el desencanto político, la hostilidad mediática y la perseverancia individual frente a la adversidad.
En términos comerciales, Years of Refusal logró un rendimiento destacado en el Reino Unido, alcanzando el puesto número 3 en el UK Albums Chart. Este resultado confirmó la vigencia de Morrissey más de dos décadas después de su debut solista. Además, reforzó su posición como una figura capaz de sostener relevancia sin adaptarse a las tendencias dominantes del momento.
La recepción crítica de Years of Refusal fue generalmente positiva, aunque menos entusiasta que la de You Are the Quarry. Medios como NME destacaron la intensidad y coherencia del álbum, valorando su tono desafiante y su falta de complacencia. Q señaló la fuerza de las composiciones y la claridad del mensaje. AllMusic describió el disco como uno de los trabajos más agresivos y directos de su etapa tardía.
Reflexión y crítica global
Después de casi cinco años sin publicar disco de estudio, Morrissey regresó con World Peace Is None of Your Business, su décimo álbum solista, que se lanzó oficialmente el 15 de julio de 2014 tras ser grabado en febrero de ese año en La Fabrique Studios en Saint‑Rémy‑de‑Provence, Francia.
El disco fue producido por Joe Chiccarelli, un experimentado productor conocido por su trabajo con artistas como The White Stripes y Beck, y contó con la participación de su banda de acompañamiento, incluyendo a Boz Boorer y Jesse Tobias en guitarras y Gustavo Manzur en teclados y otros instrumentos.
Desde lo sonoro, World Peace Is None of Your Business mostró un enfoque creativo ambicioso que mezcló guitarras, sonidos globales y arreglos elaborados, incorporando elementos que iban desde guitarras flamencas hasta metales y texturas variadas, lo que marcó un contraste con algunos de sus trabajos previos más directos.
Comercialmente, el álbum tuvo un impacto significativo, debutando en el puesto número 2 en el UK Albums Chart, consolidando así la capacidad de Morrissey para seguir atrayendo atención masiva décadas después de su debut solista. También logró buena visibilidad internacional, llegando al número 14 en el Billboard 200 de Estados Unidos, una posición destacada para un artista con una carrera tan longeva y a menudo fuera del circuito de las grandes rotaciones comerciales.
La recepción crítica fue unánimemente dividida. Algunos medios elogiaron la ambición sonora y la voluntad de explorar territorios nuevos, destacando pasajes instrumentales complejos y la mirada crítica del artista, mientras que otros señalaron que cierta aspereza en la producción y el tono ácido de las letras podían resultar menos accesibles o incluso excesivos.
Poco después del lanzamiento, la relación entre Morrissey y su sello Harvest/Capitol se deterioró. El artista terminó retirando el álbum de varias plataformas digitales tras una disputa pública sobre la promoción y la manera en que se había gestionado el lanzamiento. Esta controversia subrayó las dificultades continuas de Morrissey para articular su independencia artística frente a las exigencias comerciales de la industria musical.
Provocación directa
Después de cinco años sin publicar material original, Morrissey regresó con Low in High School, su undécimo álbum de estudio solista, lanzado el 17 de noviembre de 2017. El disco fue producido por Joe Chiccarelli, con quien ya había trabajado en proyectos anteriores. Se grabó principalmente en La Fabrique Studios en Francia y en Forum Studios de Ennio Morricone en Italia. Esta etapa coincidió con que Morrissey firmó con el sello BMG, marcando un nuevo capítulo en su relación con la industria musical tras los altibajos de los lanzamientos previos.
Desde lo sonoro, Low in High School mostró a un Morrissey dispuesto a experimentar con texturas amplias. Incorporó elementos que iban desde guitarras intensas hasta arreglos con metales y teclados expansivos. La apertura del álbum con “My Love, I’d Do Anything for You” situó de inmediato un tono más visceral y enérgico. Otros temas como “I Wish You Lonely” y “Jacky’s Only Happy When She’s Up on the Stage” continuaron esa línea de confrontación lírica y teatralidad pop.
En términos comerciales, Low in High School tuvo un desempeño sólido en el mercado británico. Debutó en el puesto número 5 del UK Albums Chart, manteniendo a Morrissey dentro de las primeras posiciones tras décadas de carrera. El álbum se mantuvo varias semanas en el top 10, reflejando una base de seguidores aún activa y dispuesta a acompañarlo en esta etapa tardía de su trayectoria.
La recepción crítica de Low in High School fue mayoritariamente mixta o promedio. Esto se evidenció en agregadores de reseñas como Metacritic, donde el disco obtuvo puntuaciones cercanas al término medio. Algunos críticos valoraron la audacia sonora y los momentos de energía emocional. Otros señalaron que la mezcla de provocación política y ambición musical no siempre resultaba eficaz o coherente.
Exploración de clásicos
Tras décadas de carrera y experimentación constante, Morrissey se acercó a un proyecto distinto con California Son, su duodécimo álbum de estudio solista, publicado el 24 de mayo de 2019. El disco se grabó principalmente en RAK Studios en Londres y en The Warehouse Studio en Vancouver.
Este álbum se centró íntegramente en versiones de canciones de otros artistas, un enfoque inusual dentro de su discografía. Mostró su capacidad interpretativa más que compositiva. La producción estuvo a cargo de Joe Chiccarelli, con quien Morrissey ya había trabajado en álbumes previos, asegurando un sonido limpio y cuidado que respetara tanto la identidad del artista como la de los temas originales.
Musicalmente, California Son se apartó del tono crítico y mordaz típico de Morrissey, ofreciendo una colección de interpretaciones que iban desde clásicos del pop estadounidense hasta canciones de artistas contemporáneos que habían influido en él. Temas como “Night and Day” y “Baby I’m Yours” fueron adaptados con arreglos elegantes, guitarras suaves y un acompañamiento orquestal. Esto permitió a Morrissey imprimir su estilo vocal único sobre material ajeno.
California Son debutó en el puesto número 2 del UK Albums Chart, consolidando nuevamente a Morrissey como un artista capaz de atraer atención masiva incluso en un proyecto centrado en versiones. La crítica tuvo una recepción mixta a positiva. Valoró la elegancia de las interpretaciones y la capacidad de Morrissey para transformar clásicos en algo reconocible dentro de su universo sonoro.
California Son representó un respiro experimental dentro de la etapa tardía de Morrissey, mostrando su interés por reinterpretar y homenajear la música que lo había influenciado. Al mismo tiempo, mantuvo su presencia en las listas y su relevancia dentro del pop británico.
Riesgo electrónico y desafío estético
Tras el experimento de California Son y el consiguiente cierre de su contrato con BMG, Morrissey regresó con material original con I Am Not a Dog on a Chain, su decimotercer álbum de estudio solista, publicado el 20 de marzo de 2020. El disco fue producido nuevamente por Joe Chiccarelli, con quien había trabajado en varias ocasiones en la década anterior.
Musicalmente, I Am Not a Dog on a Chain representó un giro notorio dentro de su catálogo tardío. A diferencia de los enfoques más orgánicos o acústicos de otros trabajos, el álbum integró guitarras dinámicas, elementos electrónicos y un tratamiento sonoro más denso y arriesgado.
El repertorio incluyó colaboraciones vocales, como “Bobby, Don’t You Think They Know?”, donde la legendaria cantante Thelma Houston aportó voces destacadas en el contexto del disco. Las letras mantuvieron la combinación característica de Morrissey entre ironía, observación social y comentarios personales, aunque con una intensidad y frontalidad que generaron reacciones encontradas entre crítica y público.
El álbum logró un desempeño sólido en el Reino Unido, alcanzando el puesto número 3 en el UK Albums Chart. Esto confirmó que Morrissey aún conservaba una base de seguidores significativa tras más de tres décadas de carrera solista. El disco también encabezó el UK Independent Albums Chart y obtuvo posiciones respetables en varias listas europeas, aunque sin alcanzar el impacto de los grandes éxitos de sus primeras décadas.
La recepción crítica fue generalmente mixta a favorable. En agregadores como Metacritic, I Am Not a Dog on a Chain obtuvo puntuaciones que reflejaron opiniones divididas. Muchos críticos apreciaron la audacia sonora y los momentos de composición inspirada, mientras que otros señalaron que el álbum podía resultar inconsistente o demasiado polarizante en su mezcla de estilos y temas.
Con I Am Not a Dog on a Chain, Morrissey cerró una etapa de tres discos con BMG y se encontraba ante el comienzo de una nueva fase en su carrera, marcada por cambios de sello, controversias públicas y proyectos inéditos que surgirían en los años siguientes.
Conflicto contractual
Tras el lanzamiento de I Am Not a Dog on a Chain en 2020, la carrera solista de Morrissey entró en un período de incertidumbre prolongado. Los cambios de sello y los lanzamientos que quedaron grabados pero sin ver la luz marcaron este tiempo. Entre esos proyectos se destacó Bonfire of Teenagers, un álbum grabado entre 2020 y 2021 con producción de Andrew Watt.
El disco contaba con participaciones de artistas como Iggy Pop, Chad Smith, Flea y Josh Klinghoffer. A pesar de que Morrissey afirmó que era “el mejor álbum de su vida”, la relación con Capitol Records se tensó. El lanzamiento se pospuso en varias oportunidades y finalmente quedó sin publicar, con el contrato y derechos en un limbo legal que impidió su salida comercial.
Al mismo tiempo, Morrissey trabajó en otro conjunto de canciones que generó debate entre seguidores y medios especializados. Este material fue anunciado inicialmente bajo títulos como Without Music the World Dies y luego referido como You’re Right, It’s Time. Parte de estas canciones se regrabaron en 2023 en La Fabrique Studios y se pensaba que se convertirían en otro álbum pendiente de edición. Según declaraciones y listados filtrados, este proyecto estaba previsto para publicarse antes de Bonfire of Teenagers, aunque tampoco llegó a materializarse hasta finales de 2025.
Un nuevo horizonte
El prolongado limbo discográfico de Morrissey comenzó a resolverse a finales de 2025, cuando el artista firmó un nuevo contrato con Sire Records, el histórico sello estadounidense que décadas antes había acompañado la expansión internacional de The Smiths. El acuerdo marcó el final de varios años de conflictos con discográficas anteriores y abrió la puerta a la publicación de material que llevaba tiempo terminado pero sin respaldo editorial.
El primer resultado de esta nueva etapa llegó el 6 de marzo de 2026 con la edición de Make-Up Is a Lie, el decimocuarto álbum de estudio en solitario de Morrissey y su primer lanzamiento desde I Am Not a Dog on a Chain (2020). El disco fue grabado en 2023 en La Fabrique Studios, en el sur de Francia, y vuelve a reunir al cantante con el productor Joe Chiccarelli, colaborador habitual en varios de sus trabajos recientes.
Musicalmente, el álbum mezcla elementos de indie rock, pop orquestal y arreglos eclécticos que acompañan el tono melancólico y provocador característico de Morrissey. Entre sus doce canciones aparece incluso una versión de “Amazona”, del grupo Roxy Music, además de temas como “Notre-Dame” o “Lester Bangs”, que continúan explorando su estilo lírico autobiográfico y confrontativo.
La recepción crítica del disco ha sido mixta, con reseñas que reconocen momentos de intensidad vocal y ambición musical, pero que también señalan cierta irregularidad compositiva y un tono nostálgico que divide a la crítica y al público. En agregadores especializados el álbum se mueve en torno a valoraciones medias, reflejando el lugar particular que Morrissey ocupa hoy en el panorama musical: una figura histórica cuyo legado sigue generando debate cada vez que publica nuevo material.
